domingo, 31 de marzo de 2013

Daybreakers. Políticos que te chupan la sangre...

La idea de los hermanos Spierig de un mundo dominado por Vampiros, en el sentido más estricto de la palabra, cobra forma gracias a un excelente elenco de actores (Ethan Hawke, Willem Dafoe, Sam Neill) y a una ambientación que oscila entre una retro-urbe y la parte más profunda de América.


Casi el total de la población mundial es vampírica y los pocos humanos que quedan deben ocultarse, o de lo contrario son carne de banco de sangre para la producción de recursos. En semejante sociedad, las altas esferas siguen buscando la manera de seguir "vampirizando" a la población con la política y la creación de nuevas necesidades, herencia de su antigua humanidad.

El problema de tan monstruosa sociedad radica en el próximo exterminio humano, ya que a causa de la expansión de los no muertos los recursos alimenticios brillan por su ausencia. Un conflicto se abre paso ante la necesidad de hallar un sustitutivo de la sangre (que no haga explotar las cabezas) y a la alianza entre vampiros pacifistas con un grupo de humanos rebeldes dispuestos a luchar. 

En el Banco te chupan la sangre de la manera más literal...
Si un no muerto deja de consumir sangre, a corto plazo se transforma en un ser primario, deforme y brutal, por lo que se empiezan a tomar medidas desde el gobierno central (mano dura y tolerancia cero). Por otro lado, la resistencia (guiada por un sensacional Dafoe) ha encontrado una "cura" que devuelve la humanidad, lo que pone en jaque los intereses económicos de tan siniestras multinacionales.

Cuando el ansia de sangre aprieta lo primario florece...
A nivel  técnico es un film impecable, y su premisa es sensacional donde se mezclan conceptos New Age con las ideas clásicas de la Hammer; pero el desarrollo de la historia denuncia cierta falta de ritmo en el guion, denotando la ausencia de una vuelta de tuerca más que le habría hecho ganar varios enteros.

En definitiva, Daybreakers es una película muy interesante cuya depuración de algunos aspectos hubiesen dado resultados excepcionales.

viernes, 29 de marzo de 2013

Flores en el ático. No hay nada como el amor de una madre...

La adaptación cinematográfica de la novela homónima de Virginia C. Andrews supone un ejercicio cuanto menos curioso a cargo de su director Jeffrey Bloom, pues nos encontramos con un film fronterizo entre el género de terror o el drama retorcido.


Tras la muerte de su marido, Corrine se traslada con sus cuatro hijos a la mansión de sus padres en busca de redención y de un cambio en el testamento de su moribundo padre. Con tal de alcanzar el perdón de una extremista y furibunda madre, accede a abandonar a los chicos a su suerte en las entrañas del ático de la gran mansión. Lo que en principio parecía una solución momentánea se acaba transformando en una pesadilla, en la que los hijos de tan desnaturalizada madre habrán de lidiar con el hambre, la enfermedad y el más puro terror. 

La abuela estereotipada siembra el terror.
Si bien la puesta en escena y algunos instantes han envejecido bastante mal y los personajes son maniqueos; no obstante, el sentimiento de claustrofobia, la mala leche, y el toque malrollero que aporta el fantasma del incesto (siempre presente por todas partes), y que en la actualidad sólo los directores más Hardcore se atreverían a emular, han ganado fuerza con el paso de los años al igual que el mejor de los vinos.

En un espacio tan limitado la intimidad brilla por su ausencia
Flores en el ático fue un gran éxito en las salas a finales de los 80 y un best-seller que se sigue vendiendo fuera de nuestras fronteras, por lo que es inadmisible dejarla aparcada sin darle una segunda oportunidad. 

jueves, 28 de marzo de 2013

Hair. Un canto (y un baile) a la libertad...

Milos Forman dirigió esta adaptación de la obra teatral a finales de los 70 con la intención de hacer una crítica activa acerca de los problemas engendrados en Estados Unidos en pleno conflicto de Vietnam.


Hair es un musical que se puede catalogar de completo y complejo, que en su momento tuvo la gran dificultad de adaptar a diversos actores de teatro al mundo del cine (con mucho éxito por cierto) para contarnos todo lo que se cocía en las calles de las grandes ciudades. Conflictos internos y externos como la crisis de identidad, diferencias entre clases sociales y racismo hacen acto de presencia, pero siempre con  visión de autocrítica. 

La imagen de diversos organismos estatales es frivolizada por el director, especialmente la del ejército, que se muestra de forma descocada y friki (por medio de una coreografía desternillante y un soberbio montaje). Los tópicos acerca del sexo interracial y el consumo de drogas son citados de forma naturalista bajo un prisma razonable. Cada personaje, cada nombre, y cada beat contribuyen a unos sensacionales puntos de giro, amén de un desenlace inolvidable.

El número musical de los militares afeminados no tiene precio...
En definitiva, un musical perfecto que hace referencia a los grandes pensadores del siglo xx, con identidad propia y que ha servido de fuente de inspiración para muchas creativos, entre ellos Matt Groening que incluye casi todo el repertorio musical en el universo de Los Simpsons.


martes, 26 de marzo de 2013

El espinazo del Diablo. Fantasmas en el periodo prefranquista.

Una de las cuestiones que trata de responder Guillermo del Toro en su film es el por qué de la existencia de los poltergeist, profundizando en sus motivaciones. Aprovechando el folclore y creencias españolas acerca de los fantasmas y otros entes, elaboró una historia de terror con tintes de tragedia griega.



La acción se sitúa en un humilde orfanato (con ideología de izquierdas) en plena Guerra Civil española. El ingreso forzado de un niño llamado Carlos será el detonante para que se ponga en marcha un mecanismo de intrigas, pasiones, y fenómenos ectoplásmicos. Este niño se verá envuelto en una historia escabrosa al descubrir la existencia de un fantasma que responde al  nombre de Santi, que según sus compañeros se trata de un alumno que desapareció en la noche que hubo un gran bombardeo. Poco a poco el fantasma de Santi le indicará a Carlos el por qué de su estado y qué es lo que necesita...

"Un golpe para decir sí y dos para decir no" se quedó anticuado...
Jacinto (Eduardo Noriega en uno de sus mejores papeles) es un antiguo alumno encargado del mantenimiento del orfanato, con un leitmotiv innoble que va acompañado de un oscuro secreto. Por otro lado están doña Carmen (quitémonos el sombrero ante Marisa Paredes) y el profesor Casares (Federico Lupi, actor fetiche de del Toro) cuya función es aportar amor, conocimiento, y valores a los desvalidos huérfanos. Como es lógico, los intereses de ambos maestros chocarán con los de Jacinto, dando lugar a una tensión latente, que al igual que la bomba que está incrustada en el patio, podría explotar de un momento a otro. 

El duelo entre la ciencia y lo paranormal también se dan cita en este ejercicio audiovisual, solo que esta vez el resultado es un empate rotundo. Queda patente que toda ciencia empezó como mera superchería, por lo que ambos conceptos se complementan y no pueden subsistir el uno sin el otro.

El profesor Casares le da una nueva dimensión a la destilería...
El suspense es el hilo conductor de esta historia que consigue mantener en vilo a los espectadores hasta el final.  La película constituye un ejercicio equilibrado y comprensible para todos los espectadores, que a pesar de sufrir sobresaltos de vez en cuando tendrán que reprimir las lágrimas. 

Todos los oficios cinematográficos cumplen con creces en esta producción que nos enseña uno de las facciones más amargas de nuestra guerra. La atmósfera del film (fuertemente edificada) nos adentra en una experiencia que no olvidaremos fácilmente.

sábado, 23 de marzo de 2013

Pánico en el Transiberiano. No estamos solos...

Eugenio Martín nos obsequió en 1972 con una obra maestra que cabalga entre el terror y la ciencia ficción. Gracias a un trabajado guion, cortesía de Arnaud D´usseau, el film nos cautiva de principio a fin sin concesión alguna, demostrando que en España se hace muy buen cine cuando las herramientas apropiadas caen en buenas manos. 


Un tridente de actores devastador (Peter Cushing, Crhistopher Lee, y Telly Savalas) junto con un cartel de secundarios de lujo (una preciosa Silvia Tortosa por ejemplo), nos conduce por un fantástico cuento de horror que transcurre en las entrañas de un tren.

Alexander Saxton (científico brillante) sube a bordo del tren portando el mayor descubrimiento de los últimos siglos: un antropoide hallado en las montañas con mas de dos millones de años en su haber. A lo largo de la travesía, descubriremos el terrible secreto que el señor Saxton guarda en su cajón, ya que el antropoide cobra vida y ataca a los pasajeros con el único de fin de satisfacer su sed de conocimiento infinito, adueñándose de sus habilidades, secretos, y conocimientos. 

Hay miradas que matan y mutilan nuestra psique...
Los pasajeros atacados por el  monstruo sufren un trágico y llamativo final, lo cual trae de cabeza a los facultativos que comparten el mismo viaje. Debido a la capacidad de sintetizar y de adaptarse que posee la criatura, la historia acaba tomando ciertos tientes de novela policíaca, pero sustituyendo el suspense por la más deliciosa de las ironías dramáticas. 

En momentos clave de la historia, se nos plantea la cuestión de que tal vez no seamos los únicos habitantes del universo, ya que tan carismática entidad podría ser la prueba definitiva de que hay vida inteligente en el espacio exterior con o sin nuestro consentimiento.

Gracias a una excelente banda sonora (amén de un perfecto sonido diegético) obra de John Cacavas, la atmósfera del Film siempre va a más con el paso de los minutos. Especial mención a los efectos especiales y al maquillaje, cuyos resultados hablan por si mismos.

Los apartados de sonido y  Fx enriquecen la trama.
Con un casting inolvidable (encabezado por Dracula y Van Helsing) y una puesta en escena que podemos tachar de impecable, Pánico en el Transiberiano es uno de los títulos más grandes del cine español, ganándose el estatus de inmortal e indispensable en nuestras videotecas. 


jueves, 21 de marzo de 2013

Bajo aguas tranquilas. Satanismo made in Spain.

Dirigida por Brian Yuzna (autor de joyas tales como Society y El dentista), fue uno de los proyectos de terror más ambiciosos en nuestro país al comienzo del nuevo milenio. Inspirándose claramente en el universo Lovercraft, la historia nos adentra en un pueblo llamado Marinbad que tuvo que ser inundado para arrasar con un viejo mal que se propagaba gracias a una secta Satánica, liderada por un discípulo aventajado del mismísimo Aleister Crowley.


Tras un potente detonante y una considerable elipsis temporal, el mal demoníaco que fue vencido 40 años atrás amenaza con regresar (con más fuerza que nunca) para acabar solemnemente con los nobles aldeanos (los cuales son una obvia representación de la sociedad corrupta en la que vivimos). Muy pocos son los que intentarán hacer frente a ese mal y  a sus múltiples formas. 

La violencia explícita es sin duda el mayor encanto del film, que nos obsequiará una y otra vez con escenas de gore muy gratuito aprovechando al máximo sus recursos de producción. Las luces y sombras recaen en un guion que nos quiere conducir por muchos caminos pero que no consigue precisar, y en un reparto con demasiados altibajos (en el que volvemos a encontrarnos con Raquel Meroño, esa gran diva de la Fantastic Factory) al que en muchas ocasiones le sobra el diálogo y le falta aclarar el por qué de su existencia. 

Locura y automutilación son los invitados estrella en las fiestas del pueblo
Si bien la historia ha envejecido un poco mal, la mala leche que le sobra por los cuatro costados se mantiene intacta, siendo esta su principal virtud. Los apartados de fotografía, planificación y sonido no pasarán a la posteridad, pero en muchas ocasiones contribuyen a la perfección a la hora de generar una atmósfera muy desagradable (lo apropiado en este caso) en las escenas de mutilaciones, zombis indefinidos, ritos demoníacos y sacrificios rituales improvisados. 

La Fantastic Factory es tan amada como odiada por los seguidores del género de terror, pero no cabe duda que tiene muchas cosas interesantes que aportarnos. Con el paso del tiempo veremos el fruto de esa primera piedra (que en su momento fue colocada con mucha valentía) en la base de nuestro cine de ciencia ficción. 

martes, 19 de marzo de 2013

Declaración de guerra. Una dura prueba...



En Declaración de guerra asistimos a una simbiosis perfecta entre amor y trabajo, gracias a la labor realizada por Valérie Donzelli y Jérémie Elkaïm, directora y guionista respectivamente,así como protagonistas de la historia.




Romeo y Julieta viven una intensa historia de amor. Cuando dan el importante paso de tener un hijo (el pequeño Adán) su relación no pierde un ápice de intensidad, simplemente se complementa con la llegada del tercer miembro. Desgraciadamente, la salud del bebé queda en jaque por culpa de un tumor cerebral y a partir de ese instante el mundo de Romeo y Julieta se transforma en una espiral de entereza, fuerza, y dolor...

Rodada en la geografía de la Francia bohemia, las locaciones y marcos de circunstancias nos adentran en el mundo de los "modernos parisinos" y su particular modo de ver la vida. Tanto el guion como la planificación están construidos con sencillez pero eficiencia, acompañados por una banda sonora realmente inusual para esta clase de drama (electrónica, indie, etc). El recurso de la voz en off (arriesgado en algunas ocasiones) cumple a la perfección su labor de narrador omnisciente. La trama consigue engancharnos, arrancándonos sonrisas y lágrimas por igual, dejando patente que la fuerza de la historia no consiste en lo qué se cuenta, sino en cómo se cuenta.

Los fuertes lazos familiares son un clavo ardiendo al que agarrarse.
A pesar de portar el cartel de "independiente", Declaración de guerra es una película que obtuvo gran reconocimiento en los circuitos comerciales, ya sea por su calidad o por todo el revuelo que montaron sus protagonistas al mostrar su historia al resto del mundo. Muy interesante.

lunes, 18 de marzo de 2013

Drácula negro. La serie B como arma de revindicación.

Cuando William Crain comenzó el rodaje de Blacula tal vez fuera consciente de que se trataba de una producción de serie B con un presupuesto limitado, pero el mensaje que pretendía aportar lo tenía sumamente claro.


La historia nos introduce en la Transilvania de antaño, justo en el momento en que un Príncipe africado llamado Mamuwalde (William Marshall) y su esposa Luva (Vonetta Mcgee) acuden a una audiencia en las mismísimas dependencias del conde Drácula para denunciar e intentar detener el flujo de tráfico de esclavos. El resultado de dicha reunión es que Mamuwalde es mordido y condenado a la sed eterna (y su posterior emparedamiento junto con su mujer todavía mortal). El letargo del Drácula negro verá su fin en 1972, despertando de forma traumática en los Estados Unidos de la explosión cultural e interracial. Comenzará una ola de de vampirismo, con un sensacional punto de giro que sucede cuando Blácula se reencuentra con la reencarnación de su hermosa princesa. 

El director conduce la historia alrededor de una serie de personajes afroamericanos con una alta cualificación intelectual, que se abren paso en una sociedad de blancos. Elementos tales como la integración, la homosexualidad y las relaciones interraciales se muestran de forma obvia; y en ciertas ocasiones, (cuando el guion lo requiere) existe una crítica hacia las injusticias por parte de la ley en lo que a las personas de color respecta. 

El Vampirismo se extenderá como una enfermedad venérea. 

La banda sonora (cortesía de Gene Page), a caballo ente el Funky y Blues, resulta muy acertada a la hora de meternos en la atmósfera del film. No cabe duda de que la música y el baile son elementos de la comunidad afroamericana que William Crain ha pretendido enseñar con orgullo y dedicación.

Si bien la película deja que desear en el apartado técnico, en lo que a premisa se refiere no nos deja indiferentes, siendo en definitiva un trabajo que se hace un hueco en la historia del cine de terror.  

domingo, 17 de marzo de 2013

Habemus Papam. Hay cargos que se vienen grandes...


Nanni Moretti, discípulo confeso del malogrado Paolo Pasolini, aborda un tema tan delicado como es la elección de un nuevo Papa entre las paredes del Vaticano. La metodología de tal proceso se ve reflejada en este polémico Film.

Tras la muerte del último Papa en activo se procede al cónclave resultando fumata blanca y la expectación que ello conlleva.  Esta vez las cosas no saldrán tan a pedir de boca, ya que el nuevo Papa se verá superado por la enorme responsabilidad de su cargo y no estará preparado para presentarse al resto del mundo. Como consecuencia de lo mencionado el Vaticano trae a un psiquiatra ateo y liberal (encarnado por el mismísimo Moretti) que sólo podrá plantear un diagnóstico incompleto debido a la censura a la que está sometida la terapia (no puede mencionarse la sexualidad, sueños, ansiedad, y frustraciones de su paciente).

En la terapia la intimidad brillará por su ausencia...
El especialista convence a los líderes para que concierten una cita con otro psiquiatra externo, dándole al paciente una identidad falsa para que tenga un tratamiento objetivo. Durante la visita al exterior, el Papa aprovecha para escaparse y fundirse entre la multitud como uno más (en ese momento la película se convierte en El peque se va de marcha) y disfrutar de placeres terrenales tales como escuchar músicos callejeros, comerse un dónut, entrar en una compañía teatral y flirtear con una mujer. Los homenajes a los clásicos literarios (sobre todo Chéjov) son clave en la odisea de nuestro protagonista.

Por otro lado, veremos como Nanni Moretti (en el papel de un psiquiatra secuestrado en el interior del Vaticano) se dedica a sembrar la duda entre los cardenales aflorando los perfiles más maliciosos e infantiles de los mismos. Como medida de entretenimiento organiza un campeonato de volleyball colocando a los cardenales según su nacionalidad (siendo Sudamérica el equipo revelación, cosa que se puede tachar de predicción), mientras que en el exterior el caos empieza a apoderarse de los medios por motivo del miedo que genera un mundo sin Sumo Pontífice.

El encierro forzoso traerá consecuencias muy frikis...
El Film es un ejercicio sorprendente que plantea el dilema que supondría la destrucción del sistema establecido, usando la crítica naturalista para hacer juicio de valor sobre los entresijos eclesiásticos. El propósito de mostrarnos a un Sumo Pontífice humanizado y cargado de dudas (y debilidades) resulta eficiente e impagable a lo largo de tan magnífico guion.


jueves, 14 de marzo de 2013

Viernes 13 parte 8. Cuando Jason casi mata a la franquicia...



Jason takes Manhattan fue escrita y dirigida por un enérgico e inspirado Rob Hedden, que consiguió este proyecto gracias a su trabajo en la series McGyver y Friday the 13th: The series (conocida en España como Misterio para 3). Con un presupuesto limitado y la censura pisándole los talones, Hedden comenzó un rodaje ambicioso y muy personal.

En aquella época la franquicia pendía de un hilo bastante fino por culpa de un público que se hacía adulto y exigía experiencias más profundas, pero sobre todo por la irrupción del universo Pesadilla en Elm Street. El Monstruo más popular del momento era Freddy Krueguer gracias a su carisma, crueldad y carácter desvergonzado, tal era su éxito que Paramount en vez de luchar pretendía subirse al tren y organizar el combate definitivo entre su titán de Crystal Lake y el guardián de las pesadillas, pero antes debía demostrar que estaba a la altura de las exigencias...

Los muchachos de Crystal Lake se gradúan y toman un barco para celebrar una fiesta rumbo a la Isla de Manhattan. Como es obvio, a lo largo de la travesía Jason dará rienda suelta a la más baja de sus pasiones hasta llegar a la Gran Manzana (donde se desarrollará el segundo punto de giro y el desenlace del Film). La nota curiosa de la producción es que el bueno de Jason jamás pisó New York ya que esos planos fueron rodados en Vancouver (Canadá) por falta de presupuesto.

Jason al igual que Paco Martínez Soria se pierde en la gran ciudad
Los personajes, estereotipos planos e infantiles, son la parte más negativa del Film, otorgándole a Jason Voorhees (encarnado nuevamente por el experimentado Kane Hodder) el mayor peso interpretativo aun careciendo de diálogos. Un factor muy positivo es la creatividad en todos los asesinatos, ya que por culpa de una exagerada censura (cortesía de la Moral Majority) se corría el riesgo de divisar muertes muy descafeinadas. Para regocijo del espectador, el recurso Diabolic Ex Machina será de gran ayuda en la caza y tortura de adolescentes incautos. 

A pesar del cambio de aires en la saga, la taquilla no respondió a las expectativas y como consecuencia de la baja recaudación (ojo, no tuvo perdidas pero no llegó a la cifra deseada) el combate Freddy Vs Jason tendría que esperar algunos años más.


Abuelita abuelita. Panorama para rodar.

Una abuela. Una nieta. Una duda. Una Llave

Es para mí todo un honor formar parte de Panorama, una asociación creada para amar y difundir el lenguaje audiovisual. Con mucha ilusión planteamos múltiples tareas en las que nos involucramos al 100%, entre las que se incluyen visitas a centros de estudio con la idea de impartir a los alumnos nociones de cómo se construye un guion cinematográfico, y labores configuradas para la lucha por la igualdad y los derechos de las personas (documentales, charlas, organizar actividades con asociaciones de vecinos, etc).

En esta ocasión me gustaría mostrar uno de nuestros últimos trabajos. Se trata de un cortometraje titulado Abuelita abuelita donde descubrimos a dos grandes actrices (Rosi Navarro y Paola Domínguez) que se ven involucradas en una historia de suspense y alta tensión con un guiño de humor ácido. 

El equipo con el que he trabajado para contar esta historia es todo un lujo a nivel humano y profesional. Muy pocas personas aprecian tanto el esfuerzo de los demás y son tan respetuosas. Aprovecho para mandarles un abrazo a todos. 

Si tenéis curiosidad:
http://www.jamesonnotodofilmfest.com/cortos.html?id=cw5127cc4dbff08


martes, 12 de marzo de 2013

Hermanas. La misma maldad corriendo por las venas...


Clasicazo del maestro Brian De Palma que bebe de diferentes iconos del terror para crear un producto que a la postre posee identidad propia.  Historia sencilla pero con un buen tratamiento, nos cuenta el origen de una joven severamente trastornada tras la separación quirúrgica de su hermana siamesa. 

Soberbio montaje (rompedor para 1972) que alterna a la perfección una compleja planificación con las acciones de diversos personajes, haciendo uso de la pantalla partida para mostrarnos que sucede simultáneamente en las diferentes localizaciones, o simplemente enseñándonos la misma escena bajo dos puntos de vista (amén de recursos como el flasback y la psicodelia). La banda sonora corre a cargo de un inspirado Berrnard Hermann que consigue introducirnos en la atmósfera de la trama asociando con éxito cada melodía a su personaje correspondiente.

El film nos sumergirá en una oscura demencia.
La elección de dos mujeres para los papeles principales se antoja arriesgada y prematura para la época, con lo que el Director deja clara su intención de romper con lo establecido y denunciar abiertamente muchos estereotipos  machistas de la sociedad. Jennnifer Talt en su rol de periodista agresiva que persigue la verdad y Margot Kidder (realmente preciosa en este trabajo) como la modelo asesina, se desenvuelven con la fórmula de ensayo y error en un mundo dominado por los hombres.

Si bien el Film solo dura unos 90 minutos el detonante se hace de rogar, pero en cuanto corre la sangre todo se vuelve frenético y las teorías de la conspiración hacen acto de presencia. Utilizando herramientas narrativas tales como la ironía dramática y el suspense (sí, en el mismo guion) la historia reconduce suavemente al espectador a lugares angustiosos o desconocidos. 

Hermanas es una película saturada de virtudes y cierta ingenuidad, de un Brian De Palma que por aquel entonces empezaba a comerse el mundo. Imprescindible.

lunes, 11 de marzo de 2013

Jack Brooks cazador de Monstruos. Los 80 siguen brillando.

Escrita y dirigida por Jon Knautz (2007), con la aparición estelar del incombustible Robert Englund (Freddy Krueger para entendernos). en el papel del profesor Crowley.

Esta es la sorprendente historia de Jack Brooks, Fontanero fracasado que asiste a terapia por sus problemas con el control de la ira (generados por el ataque de una extraña criatura que masacró a su familia) y matriculado en clase de ciencias (turno nocturno, factor importante para crear atmósfera). 

El bueno de Jack no sabe cuál es su lugar en este mundo y le faltan motivaciones al no conocer en que campo laboral podría destacar, hasta que un viejo mal toma posesión de su profesor de química generando una situación límite, en la que nuestro protagonista deberá ejercer de héroe y aniquilar a toda una prole de monstruos con métodos tan terrenales como efectivos. Salvar a la chica en apuros, vencer los miedos más profundos, y sacar fuerzas de flaqueza, serán los sucesos que empujarán al protagonista a descubrir su verdadera vocación y a desarrollarse como persona. 

El turno de noche se vuelve hostil, se requiere una presencia heroica.
Con unos efectos especiales 100% ochenteros, banda sonora al caso, y diálogos frikis a más no poder, Mr. Knautz ha insuflado vida a los clásicos de terror cuya fuerza radicaba en un excelente maquillaje, guiones divertidos, y en la carismática presencia del protagonista. A pesar de su poco tiempo de vida el Film fue considerado de culto instantáneamente, y somos muchos los que ansiamos una secuela.

domingo, 10 de marzo de 2013

Historia de Ricky. Cine 100% desvergonzado

Adaptación al cine del manga Riki-Oh creado por Masahiko Takajo y Saruwatari Tetsuya. Con guion y dirección de Lam Ngai Kai y protagonizada por Siu-Wong Fan


Como bien dice el cartel, la entrada al nuevo milenio será terrorífica para los pequeños y medianos empresarios a causa de la privatización total de las prestaciones sociales. Uno de los cambios más radicales se expresa en los servicios penitenciarios, donde la mano dura y la falta de humanidad predominan en los barracones. 

En esta historia nos topamos con dos clases de presidiarios: los que practican con maestría algún estilo de lucha con tintes a lo Puño de la Estrella del norte, o el resto que son carne de cañón y víctimas de los abusos por parte de compañeros y alguaciles. El sadismo, la humillación y la violencia gratuita serán el pan nuestro de cada día entre los muros de tan carismática prisión.

Los derechos humanos brillan por su ausencia...
Con el espíritu del cine de acción y músculo noventero, la construcción de los personajes se edifica alrededor de vivencias trágicas en las que predominan las desgracias y la importancia de la amistad, convirtiendo a los protagonistas en hermosas estatuas que han sido esculpidas a base de golpes. Si bien la trama es divertida, el guion contiene fallos garrafales que para dicha de los más frikis se acaban transformando accidentalmente en momentos rematadamente sabrosos e irrepetibles. 

La ausencia de recursos en la producción no merma su carisma (ni mucho menos) ya que eso forma parte de su carácter. El ver una y otra vez el mismo vehículo (tuneado con pegatinas para parecer otro distinto), disfrutar de un combate letal entre el protagonista y uno de los líderes en el que Ricky debe atarse los tendones del antebrazo (como si fueran cordones de zapatos) para seguir peleando, y escuchar la excesiva información que aportan algunos presos que de repente surgen de la nada, no resulta casposo en absoluto, ya que esos maravillosos pecados forman un "todo" que nos mantendrá absortos y perplejos. 

Sí, usa sus entrañas para estrangular a Ricky...
Con la estructura propia de un videojuego Ricky debe avanzar nivel a nivel, conquistando terreno y derrotando a toda clase de estrambóticos jefes finales, haciendo amigos a su paso y soportando toda clase de torturas retorcidas, todo ello en pos de conseguir su aclamada venganza. 

Historia de Ricky es sin duda una joya del cine asiático que contiene segmentos de los géneros de acción, gore y ficción, dando el paso definitivo en lo que a cine de artes marciales se refiere. Si bien no pudo disfrutarse en España en el año de su concepción (1991), gracias a algunos vídeoclubs que apostaban fuerte y a un canal llamado Alucine (de la desaparecida plataforma Vía Digital)  muchos pudimos verla a finales del pasado milenio (en mi caso fue de chiripa un sábado a las tres de la tarde con dos colegas). En definitiva, un Diamante en bruto.





sábado, 9 de marzo de 2013

Gohatto, o las tribulaciones de un Samurái que entiende.


Escrita y dirigida por el polémico Nagisa Oshima, que como siempre profundiza en asuntos tales como los choques generacionales, injusticias sociales, sexualidad, y crisis de identidad. El marco de circunstancias es la ubicación de un muy agraciado joven -con obvias inclinaciones homosexuales- en las entrañas de una escuela de Samuráis. 

Con tal detonante el más pintado se podría esperar una historia de sufrimiento e intolerancia, pero para sorpresa del espectador,  Sozaburo Kano (de tan solo 18 años) será el objeto de deseo de sus compañeros y de varios altos cargos de la escuela, a pesar de tratarse de un entorno cerrado en el que cualquier incidente puede ser interpretado como una ofensa al honor. 

Aunque su hermosa estética nos haga pensar que podría tratarse de un sesudo Film de acción, los puntos de giro y la planificación acaban derivando en una historia de conflictos internos autoinflingidos, porque tal y como sucedía en los clásicos shakespeareanos la fórmula del amor imposible es algo que siempre funciona en la gran pantalla.

La tensión sexual hace constante acto de presencia.

Otros aspectos a destacar son su excelente fotografía (Toyomichi Kurita), y una soberbia banda sonora cortesía del oscarizado Ryuichi Sakamoto (por su trabajo en El último Emperador), también conocido por su participación en Tacones lejanosFeliz navidad Mr Lawrence, y un extenso etc cargado de éxitos.

Título revelación del año 2000, Gohatto es una película (con tintes de cuento) que destaca por su preciosismo, por las grandes dosis de naturalidad y tolerancia que incluye su guion, y por un derroche interpretativo que jamás pasará desapercibido a los amantes del séptimo arte. 

The Woman. Hay cosas que no se pueden encadenar...



Lucky McKee basándose en la novela (con el mismo título) de Jack Ketchum, nos oferta la perturbadora y polémica The Woman, que se hizo con el premio al Mejor Guión en el Festival de Sitges y 4 premios especiales, entre ellos Mejor Película en el Toronto After Dark Fest. 

El Guion le da una vuelta de tuerca al archiconocido hallazgo del sujeto salvaje criado entre animales en los bosques, y su posterior reeducación para insertarlo en la sociedad. Esta vez el programa de inserción resultará cruel, sucio, y despiadado, siendo (como novedad) una atractiva mujer el sujeto de estudio. 

Si las miradas matasen...

 Película con tintes Gore de la vieja escuela, asesinatos superlativos, personajes que persiguen el parnasianismo de la crueldad, y una premisa sencilla pero impactante. El Director juega constantemente con las emociones del espectador haciendo uso del sobresalto y el factor sorpresa, pero sin caer jamás en lo gratuito o el sin sentido.

Se trata de un film con obvias muestras de violencia física y psicológica, con la capacidad de gestar situaciones crueles no aptas para los más sensibles, no obstante es un título imprescindible para los amantes del género. 

viernes, 8 de marzo de 2013

Aelita. La primera gran aventura espacial.


Probablemente el primer Film que aborda al 100% los viajes espaciales. Película muda basada en la novela del mismo nombre, escrita por Alekséi Nikoláyevich Tolstói. Dirigida por Yákov Protazanov, fue estrenada en 1924.


Aelita es una historia de amor y rebelión, que a causa de la censura soviética no pudo verse (en salas comerciales o estanterías) hasta después de la guerra fría.

Esta película dio lugar a un sin fin de Remakes y secuelas no autorizadas de la misma. En mi opinión están tardando demasiado en sacar a la venta la edición remasterizada de la original y las de sus múltiples (y en ocasiones casposas) versiones, todas ellas saturadas de sabrosos extras. 

Häxan. Confesión bajo presión...



Häxan es un film danés dirigido en 1922 por Benjamin Christensen. Mezcla de documental y ficción dramática, se trata de un estudio concienzudo acerca de los orígenes de la brujería y el ocultismo a través de la historia del hombre.

Analiza la brujería en diversos contextos sociales, históricos, y psicológicos, dando como resultado un ensayo sumamente insólito que mejora minuto a minuto, con instantes realmente espeluznantes. Parte del metraje es presentado por medio de análisis comparativos y casos prácticos, todo bajo el punto de vista racional de la época en que se rodó. 

La presentación de los diferentes métodos (e instrumentos) de tortura para conseguir confesiones, causa impacto a pesar de la antigüedad de las imágenes. 

Escenas impactantes cargadas de sexualidad en los años 20...

Guerreros de antaño. La importancia de las Raíces.



Coetáneamente con los clásicos de Peter Jackson, en Nueva Zelanda se hizo un gran Film de manos de Lee Tamahori. La película en cuestión aborda la precaria situación en la que se encuentran aquellos Guerreros Maoríes desterrados y condenados al olvido, saturados por los problemas causados por el abuso del alcohol y la violencia...

Bandas juveniles, racismo, diferencias sociales generadas por la colonización, violencia de género, y pobreza son algunos de los aspectos que se muestran de forma transparente a lo largo de la trama; eso sí, con cierto toque de esperanza a la hora de analizar el regreso a las costumbres, el sentido y significado de los tatuajes, y como no, la importancia de la Haka.

Arrasó en los festivales de Montreal y Venecia.

Horizonte. Criaturas con denominación de origen.

En el último festival de Sitges, un Cortometraje llamado Horizonte causó gran revuelo y excelentes sensaciones. Tal fue su impacto, que llegó a ser seleccionado para el festival cuando ni siquiera estaba terminado. 

El Corto fue dirigido por Aitor Uribarri, y rodado durante 4 días en unas localizaciones de Granada. Según la crítica: "Se trata de una correctísima mezcla entre La Carretera y Soy Leyenda", con un reparto de verdadero lujo (Ana FernándezClaudia VegaManuel Morón e Iñaki Ardanaz).

Según el Director, se trata de un aperitivo para un futuro largometraje, cuya trama transcurrirá unos años después del final de la historia (frotémonos las manos). Otro detalle curioso, es que Aitor nació en Dos Hermanas, Sevilla, el centro del universo. 


Madre e hija en plena acción. La cosa promete.


jueves, 7 de marzo de 2013

Los Soprano. Con más años encima y más fantasmas en la memoria

Italo-Americanos ambiciosos y de armas tomar.


Muchos años han pasado ya, desde que la HBO irrumpiese en nuestros hogares con una serie que cautivó a todo aquel que fuese susceptible al embrujo de la Cosa Nostra. Tal y como se dilucidó en el capítulo piloto, se trataba de una producción realmente ambiciosa, con un casting de lujo (encabezado por un malhumorado James Gandolfini), y unos excelentes Guiones, capaces de sostenerse en cada episodio con la calidad propia de un Largometraje.

Con el paso del tiempo, la serie ha envejecido a la perfección, como el mejor de los vinos, justificando así sus múltiples premios (especialmente en la ceremonia de los Globos de oro). Todas y cada una de las tramas que componen las 6 temporadas ofertan diversas lecturas, ya sea el lo terrenal (ambición, violencia gratuita...) como en lo espiritual, gracias a aquellos fantásticos giros de Guión en los que predominaba el realismo mágico. 

En este universo, cada acción se cuantifica y tiene repercusiones.

No importa las veces que se vea la serie al completo, ya que en el universo de Los Soprano siempre podremos descubrir algo nuevo, gracias al excelente contexto social e histórico en el que fue creado, y por nuestra propia experiencia vital, que nos hará entender más y mejor las motivaciones de tan rocambolescos individuos, que nos resultan tan lejanos como familiares.

Los Soprano es una fantástica historia que mantiene su calidad de principio a fin, sin demasiados altibajos, ya que a pesar de la famosa huelga de guionistas, que tantos estragos causó en los medios audiovisuales (véase Lost...) siempre mantuvo el tipo y jamás bajó el nivel. No obstante, es honrado mencionar su polémico final, ya que no conformó a un número considerable de adeptos, generando toda clase de interpretaciones y disputas en la red. El mencionado broche final de la serie, viéndolo algunos años después desde otra perspectiva, me parece sensacional.

Submarine, o muchacho al borde de un ataque de nervios...


Basada en la novela de Joe Dunthorne (con el mismo nombre), Richard Ayoade ha perpetrado una de las mejores comedias ácidas de los últimos tiempos. Toda una combinación de sonidos, conceptos cinematográficos y colores, al servicio de un espectador ya necesitado de una historia sencilla pero contada como nunca. 

Nuestro protagonista, un tipo quinceañero, al igual que los submarinos, se encuentra de forma perpetua hundido y bajo presión, pero como es lógico, un detonante con sonrisa maliciosa (con forma de muchacha inclasificable) entrará en su vida, dando paso a una relación deliciosa y sumamente disfuncional que basa su disfrute en el dolor ajeno. Petardos, cerillas, y un bullying como el de antes, serán los pilares que sustentan la vida de estos particulares enamorados. 

Los colores dan información constante sobre los personajes.

La fórmula del Film, consiste en contar una historia bien construida, con la ayuda de un soberbio montaje (amén de una sensacional planificación), dándonos a conocer toda una amalgama de personajes inquietantes e insustituibles con problemas propios, tales como el divorcio, los guías espirituales, la enfermedad y una opresora soledad. 

Todos hemos tenido unos pedantes 15 años, un primer amor y una familia con problemas, pero gracias a la narrativa de este Film, tan fatídicas experiencias se transforman en una comedia sorprendente, que recomiendo a todos aquellos que busquen algo diferente y a la vez sencillo.

Los Enanos también empezaron pequeños


Ante todo, lo primero es daros la bienvenida a un proyecto que me hace mucha ilusión. Mi idea parte de algo que me dijo un querido profesor en la escuela de cine, el cual sostenía que debido a mi apetencia por los títulos más Frikis del Séptimo arte (y la compra de los mismos...), no se me podía catalogar de Cinéfilo, si no mas bien de Cinéfago, ya que lo mismo era capaz de ver y disfrutar de un título sofisticado de Haneke, que de ir corriendo a comprarme (con toda la ilusión del mundo) lo último de Troma. 

Quiero enfocar mi tarea a la busca y captura de joyas cinematográficas de todo pelo, ya sean obras maestras, o aquellas que resulten tan grotescas que acaben dando la vuelta y tengan que considerarse obras de culto. La muestra y análisis de las películas (objetiva y subjetivamente) siempre serán realizadas de forma respetuosa, limitándome a amar el cine en todas sus vertientes, valorando la construcción del mismo, ya que a fin de cuentas es admirable que alguien cumpla su sueño (en esto incluyo a Uwe Boll y a Michael Bay), sosteniendo con firmeza que todo Film tiene algo positivo que aportar, aunque sólo sea unas buenas risas. 

Con lo dicho, emprendo un viaje desconocido, en el que espero poder aportar algo a todos los que decidáis dedicarme un poco de vuestro tiempo. Un abrazo muy grande.