martes, 30 de abril de 2013

Las naves misteriosas. Odisea espacial con tirón de orejas

Bruce Dearn dirigió en 1971 un Film bastante particular, que a pesar de tratarse de ciencia ficción, el guion no abordaba ninguna clase de presencia externa hostil que quisiese acabar con la humanidad. A decir verdad era la propia raza humana la que había conseguido erradicar toda vida animal y vegetal en el planeta tierra. 


Como último recurso se lanzan naves invernadero al espacio, con la idea de crear nuevos hábitats naturales con que poder repoblar un desértico planeta Tierra. Lowell Freeman es uno de los Cosmonautas encargados de tan maravillosa misión; pero, a pesar de sus notables progresos (consigue todo un arca de Noe en sus dependencias), el gobierno de los Estados Unidos ha decidido a última hora vivir por medio de alimentos sintéticos y atmósferas artificiales controladas. La nave de Lowell recibe la orden directa de hacer saltar por los aires toda su fauna y flora ya que no les resulta rentable, pero nuestro intrépido protagonista se deshace de sus insolidarios compañeros y se da a la fuga a través del espacio profundo. La ayuda de unos "humanizados" Robots será de un incalculable valor para conseguir el objetivo de mantener con vida a todos los especímenes. 

En esta ocasión, las máquinas demuestran mayor civismo que nosotros.
Película entrañable, contiene una importante premisa que llegará al corazoncito de todos aquellos que se preocupan por la situación de nuestro planeta y por la gravedad de los delitos ecológicos. Aunque se trate de una trama un poco lenta y no ocurra nada espectacular (al contrario de lo suele dictar la normativa), es una historia excelente con una fuerte carga emotiva que cumple con la función de hacernos reflexionar. 

domingo, 28 de abril de 2013

The Doors. Las puertas de la percepción.

En 1991 Oliver Stone hizo una de las más grandes biografías cinematográficas que se le haya podido dedicar a un grupo musical. Con una visión íntima y subjetiva el director recreó a la perfección la sociedad americana de los años sesenta, donde el papel de Jim Morrison y compañía fue crucial en un mundo convulso que luchaba por cambiar a sus líderes corruptos. 


Cuenta la historia que un tal Jim Morrison (poeta por vocación pero cantante por circunstancias) tras suspender el examen final en la escuela de cine, decide montar un grupo musical que basaba sus letras en la obra de William Blake. La puesta en escena de The Doors era diferente, psicodélica, y muy escandalosa, dándole una nueva dimensión a mitos tales como el de Edipo. A pesar de sus constantes salidas de tono fueron contratados por una discográfica, dando lugar a un testamento ideológico que llega hasta nuestros días. Los conflictos personales y los incidentes con la policía, contribuyeron a la leyenda del polémico y carismático niño prodigio de las letras. 

El señor Morrison fue tan amado como odiado...
La combinación de todos los oficios cinematográficos resulta impactante a ojos del espectador, y si le sumamos la veracidad de los hechos narrados y la sublime puesta en escena comprenderemos que tenemos entre manos algo diferente. No importa cuantas veces veamos la película, siempre le encontraremos algo nuevo gracias a la pericia de su realizador y a la entrega de los actores (la elección del reparto fue todo un pleno al 15). Al igual que el mejor de los vinos, envejece a la perfección.

La importancia de abrir las puertas de la percepción...

miércoles, 24 de abril de 2013

Space Battleship Yamato. Bienvenidos al Barco del amor!!!

Takashi Yamazaki se encarga de la dirección y los efectos especiales en esta interesante adaptación de Space Battleship Yamato, la magnífica serie de animación de los años 70. Estrenada en Japón en 2010, fue una revolución en taquilla, por lo que es extraño que pasase relativamente desapercibida en nuestro país. 


En el año 2199 la humanidad está al límite de su extinción por culpa del conflicto con la raza alienígena conocida como los Gamilas. A causa de los constantes bombardeos, la tierra es un lugar inhabitable por el alto índice de radiación, convirtiendo los túneles bajo tierra en el único hogar para los supervivientes. De forma accidental, el héroe de guerra Susumu Kodai encuentra una cápsula que contiene un mensaje esperanzador y la posibilidad de curar el planeta, pero para ello deberá emprenderse un peligroso viaje a la otra punta de la galaxia. Con una flota indisciplinada pero con un gran espíritu de sacrificio, el Yamato deberá conseguir el antídoto para la Tierra en tiempo récord. 

En ocasiones la respuesta no tiene la forma que imaginábamos...
Heredando el sistema de combate de Star Trek (acción lenta, como dentro de un submarino) y tal vez con demasiadas similitudes de guion con la primera temporada de Battlestar Galactica, la propuesta del film resulta atractiva para propios y extraños. La curiosa estética y arte conceptual, sumándose a una carismática banda sonora, le dan el broche final a una historia cargada de acción y aventuras. 

martes, 23 de abril de 2013

El Cuervo. EL séptimo arte homenajeando como mandan los cánones.

El Cuervo (1935) no sólo es un Film que se base en el inigualable poema de Edgar Allan Poe, sino en toda su obra y testamento ideológico. Lew Landers establece un código por el cual pretende obsequiar al espectador con múltiples datos de la bibliografía y vida personal del mítico escritor, usando para ello a los dos iconos del terror. 


El Doctor Vollin (Bella Lugosi) le salva la vida a la señorita Jean tras un terrible accidente, pero durante ese proceso quedará profundamente prendado de tan hermosa paciente. Tras sufrir la negativa de Jean, el Doctor Vollin elaborará un terrible plan (basándose en sus oscuros conocimientos acerca de Poe) para acabar con todo aquello que la joven ama, usando como instrumento a un egocéntrico criminal al que ha secuestrado y mutilado (encarnado por su gran rival en pantalla, Boris Karloff). Instrumentos de tortura, palancas y cachibaches varios serán los obstáculos que los protagonistas deberán superar para vencer a la gran mente criminal. 

Nunca más...
Escenas mimadas al extremo, interpretaciones muy pulidas, y una "terrorífica" banda sonora (Clifford Vaughan) son los factores que le dan el estatus de incunable.


sábado, 20 de abril de 2013

El alimento de los Dioses. Pues toma croma...

En 1976 Bert L.Gorgon  dirigió una película, adaptación libre de la sensacional novela homónima de H.G.Wells,  que aprovecharía el filón de las criaturas gigantescas, pero que se separaría del concepto Stop-motion para hacer uso de la rudimentaria animatrónica de la época (con excelentes resultados), convirtiendo el croma en uno de sus principales recursos.


Una sustancia pegajosa se abre paso por las entrañas de la tierra hasta llegar a la superficie de una isla muy cercana a la civilización. Las propiedades mágicas del mejunje provocan un crecimiento desmedido en las criaturas que lo consumen, dando lugar a avispas, gusanos, pollos, y ratas gigantes, cuyo sustento son seres humanos. Es gracias a la intervención de una estrella de Fútbol americano y su representante cuando la humanidad tiene la oportunidad de salvarse y de enmendar sus errores con respecto a los delitos ecológicos. 

Sitiados en una casa, este grupo deberá luchar a muerte por su vida...
Si bien el guion ha envejecido francamente mal a causa de unos diálogos insulsos y una voz en off que pretende reparar lo que un montaje inconexo no supo transmitir; no obstante, la habilidad de sobrecoger (especialmente con las últimas escenas del desenlace...) y el sensacional esfuerzo por parte del departamento de arte han quedado intactos. Con escenas claramente influenciadas por La noche de los muertos vivientes y un final de los que te hacen reflexionar, El alimento de los Dioses fue una propuesta terrorífica que obtuvo buenos resultados en taquilla, y la causante de otra tanda de rodajes relacionados con seres gigantescos. Film de culto pese a quien pese.

El Anticristo del KFC!!!




jueves, 18 de abril de 2013

Poultrygeist - Night of the chicken dead. Troma en estado puro...

Lloyd Kaufman invirtió todos sus ahorros y se jugó el ser o no ser en una producción arriesgada difícil de clasificar, pero que se acabaría encumbrando como una de las parodias más extrañas de todos los tiempos. Estrenada en 2009, fue el último título editado por Troma hasta la fecha.


Arbie regresa a Tromaville con la idea de reconquistar a su exnovia Wendy, pero para su sorpresa descubre que es una activista que está experimentando con el lesbianismo. Finalmente, Arbie acaba trabajando en el polémico restaurante de comida rápida "Sloopy Jose" de la cadena American Pollo Burguer, que al parecer ha sido edificado ilegalmente sobre los restos de un cementerio sagrado. Violencia, crueldad y gore explícito se dan cita entre las cuatro paredes del restaurante, aderezado con un alto contenido sexual...

La violencia del Film es sumamente explícita...
Poultrygeist, a caballo entre el musical cansino y el splatter definitivo, es el título más gore de la historia del universo Troma (y el más censurado, ya que es complicado encontrar una edición sin cortes), y a pesar de las lagunas en su guion, la propuesta sigue siendo fresca, diferente, y en algunos momentos desternillante. No obstante, es de recibo avisar que el título es apto solamente para espectadores con mucho estómago y para los incondicionales del señor Kaufman.

Mensajes del "más allá" por medio de hamburguesas...

martes, 16 de abril de 2013

Penitenciaría. Entendámonos a golpes...

El mítico Jamaa Fanaca escribe y dirige una historia de superación y lealtad, de la forma más friki y esperpéntica posible. En 1978 Penitenciaría vería la luz en plena Blackxplotation cinematográfica, siendo el comienzo de una saga taquillera enfocada a un público concreto. 


Martel Gordone (Leon Isaac Kennedy) da con sus huesos en la cárcel por unos cargos un tanto abstractos, y es a partir de entonces cuando deberá pelear día a día para sobrevivir. La apertura de un torneo de boxeo le dará la oportunidad de conseguir la libertad condicional y un futuro mejor, mientras tanto se dedicará en cuerpo y alma a aportar valores y autoestima a diversos presos afroamericanos que constituyen el eslabón más débil de la cadena alimenticia. Como es lógico, habrá un perverso antagonista a batir para conseguir todos los objetivos...

Entre rejas la libertad es un derecho que se reclama a golpes...
A pesar de tener multitud de fallos técnicos y argumentales, la premisa y el carisma que contiene le dieron al film la suficiente credibilidad ante la prensa especializada. El éxito en las salas dio luz verde al rodaje de secuelas con mayor presupuesto, con un reparto mucho más comercial (MR.T tuvo un papel estelar en la segunda parte) y una calidad audiovisual exigente. 

domingo, 14 de abril de 2013

Posesión Infernal (2013). Una dignísima revisión del mito.

Sam Raimi debe de tener en mucha estima a Fede Álvarez, ya que le ha cedido Evil Dead, el mayor de sus tesoros. Treinta y dos años después y con un presupuesto abultado, el mito del terror regresa a la gran pantalla cargada de referencias a la cultura de masas y homenajes a la literatura fantástica (Lovecraft, Richard Matheson, Clive Barker...) ¿Su propósito? Volver a sobresaltarnos...


Tras una cabecera que se puede catalogar de épica, un grupo de jóvenes va a pasar el fin de semana a una cabaña en lo más recóndito del bosque. De forma accidental llega a parar a sus manos el mismísimo Necronomicón, transformando lo que iba a ser una jornada de rehabilitación en la más horrenda de las pesadillas. Perversión, borbotones de sangre, y mutilaciones de lo más creativas, serán el único entretenimiento que le espera a esta desgraciada pandilla, que deberá luchar con los medios más terrenales para sobrevivir una noche más...

A esta escena el lavado de cara le ha sentado francamente bien...
La excelente banda sonora de Roque Baños refuerza la puesta en escena, contribuyendo a una ambientación cargada de intensidad. La progresión dramática es correcta y ayuda al espectador a irse introduciendo gradualmente en la historia, con todo muy bien engranado para causar espasmos de terror. Gracias a unos sorprendentes puntos de giro, Posesión Infernal 2013 posee identidad propia y no debe tacharse de mero remake.  Tenéis que verla.

¿Te gusta la sangre? Pues te vas a hartar...

Horror en el museo negro. Maldad y astucia desmedidas.

Estamos ante una pieza de la "trilogía sádica" del británico Arthur Crabtree. Rodada con mimo y esmero en 1959, la película acabó recibiendo la clasificación "X", convirtiéndose en un icono del cine macabro. En la actualidad, varias de sus escenas nos siguen pareciendo espeluznantes gracias a la habilidad manifiesta del director a la hora de jugar con nuestros miedos y fobias...


Una ola de crímenes retorcidos (a la par que creativos) tiene en jaque a Scotland Yard. La constante intromisión de un célebre periodista (quitémonos el sombrero ante un sensacional Michael Cough) especializado en criminología pondrá en evidencia la desorientada labor policial. Dicho periodista es un carismático showman de su tiempo, que en sus ratos libres se dedica a conseguir piezas únicas para su célebre museo de los horrores. 

El detonante del Film es de esos que no se olvidan...
El apartado audiovisual es simplemente sublime, empezando por un detonante que se grabará para siempre en nuestra memoria. Los asesinatos son perfectamente recreados en pantalla, usando medios pioneros para la época. Con respecto al guion de Aben Cohen y Herman Kandel, cabe decir que es un texto inteligente muy bien construido, lleno de personajes inquietantes y diálogos brillantes. En definitiva, Horror en el museo negro es una película imprescindible para los amantes del terror y de los clásicos en general. 

lunes, 8 de abril de 2013

Pánico en la Granja. Una idea sencilla (muy trabajada) con sensacionales resultados

Película de animación belga llevada a cabo en 2009 por Estéphane Aubier y Vincent Patar, apostando por el stop-motion puro y duro. El film parte originalmente de una serie televisiva del año 2000, obra de los mismos creativos y distribuida en algunos países por Aardman animations. 


Caballo, Indio y Cowboy son compañeros de vivienda en un singular universo cargado de matices Frikis, donde cosificación, humanización y animalización convergen a al mismo tiempo. Todo empieza cuando Indio y Cowboy quieren darle una sorpresa de cumpleaños a Caballo obsequiándole una barbacoa artesanal, pero accidentalmente hacen un disparatado pedido que asciende a 50 millones de ladrillos. Todo desemboca en la destrucción de su hogar, la reconstrucción del mismo, y un viaje en busca de paranoicas respuestas, donde conocerán a toda una fauna y flora con los más singulares leitmotivs. 

Marco geográfico y población son treméndamente Frikis...
Comedia desternillante que ofrece diferentes lecturas (dependiendo de la edad del espectador), con toques de genialidad que demuestran que no es necesario un trabajo visualmente espectacular para entretener al público. Un sensacional mantenimiento del stop-motion.

Golgo 13. Donde pone el ojo...

Basada en el exitoso Manga homónimo de Takao Saito (que vio la luz en 1969 pero que no conocimos en España oficialmente hasta mediados de los 90), Golgo 13  (1977) fue dirigida por Yukio Noda, realizador involucrado en rodajes de temática Yakuza,  y protagonizada por el gran Sonny Chiba.


Golgo 13 es una especie de James Bond siniestro e introvertido, que acepta los trabajos más complicados a cambio de una enorme suma de dinero. Esta vez se verá involucrado en una red criminal liderada por Polansky el embajador de "Porania" (sí, obviamente es un guiño al polémico cineasta). Un joven jefe de policía (encarnado por un enérgico Callang Leung) será su antagonista y mayor perseguidor, aunque compartirán el objetivo de acabar con el testigo ilegal de Polansky cueste lo que cueste...

Aquí esta el bueno de Golgo luciendo su M-16 tuneado.
Un argumento impregnado de conceptos básicos del cine negro americano, planos realmente sensacionales y atrevidos (travellings objetivos y subjetivos desde posiciones demenciales, extraña concepción de noche americana, barridos simplemente perfectos...), y un reparto emblemático, son las bazas principales que nos propone el señor Noda, aunque su gran punto débil es el montaje, precipitado e inconexo en diversas ocasiones, consiguiendo desesperar al espectador.

Cargada de acción, artes marciales y tiroteos, la película  cumple con creces el propósito de entretener y de acercarnos al cine asiático setentero que tanto inspira a Quentin Tarantino, discípulo confeso de la filmografía de Sonny Chiba. 

sábado, 6 de abril de 2013

La Condesa Drácula. Ansia por la eterna juventud.

La Hammer se caracteriza por hacer excelentes títulos de terror partiendo de los incunables, pero incluyendo a actrices que explotaban sus encantos ante la cámara. El Film, dirigido por Peter Sasdy y protagonizado por la exuberante Ingrid Pitt, es otra vuelta de tuerca a la novela de Carmilla. 


Elisabeth es un vejestorio de la alta aristocracia, que en pleno medievo descubre que aplicar la sangre de doncellas virginales en su aseo diario le quita varios años de encima, transformándola en una verdadera belleza. El problema reside en que los efectos son perecederos, por lo que ella y sus acólitos deben seguir secuestrando a jovencitas de la clase obrera para satisfacer su vanidad. Tal es su maldad, que llega a secuestrar a su propia hija para suplantar su identidad y arrebatarle al hombre de sus sueños. 

El ansia de sangre y  poder de la Condesa no tiene límites
Interesante y bien enhebrada, La Condesa Drácula es un ejercicio audiovisual mimado, cuyos detalles históricos revelan un cuidado exquisito por parte de su director, a la par que nos ofrece otra visión de Elizabeth Bathóry, pariente de Vlad el Empalador. El reparto está saturado de mujeres realmente hermosas (que cumplen con creces el canon de los años 60-70) con muchísimo talento interpretativo, y que están dispuestas a lo que sea para complacer al espectador.

Un gran momento del Film...

viernes, 5 de abril de 2013

Mil gritos tiene la noche. Gore a la vieja usanza.

Juan Piquer Simon es uno de esos directores que no se casan con nadie, que hacen lo que se les antoja, y que el fin de su trabajo es el de divertir. Este film es uno de los más conocidos del cineasta dentro y fuera de nuestras fronteras, por su frescura y crueldad gratuita.


El detonante no se hace esperar, surgiendo en forma de truculento matricidio y dando paso a una futura ola de crímenes violentos en una universidad Bostoniana. Los asesinatos, perpetrados en su mayoría por una sierra mecánica, son creativos y sádicos por partes iguales para disfrute de los estómagos más sólidos. 

Si te gusta el parnasianismo por lo gore, te encantara la película...
La historia es simple y llena de clichés (con algunos momentos que no tienen ningún sentido pero que provocan carcajadas), pero gracias a las tablas del director los personajes son conducidos a un desenlace explosivo e inesperado.

Mil gritos tiene la noche (1982) fue rodada de forma muy teatral, haciendo homenaje a diversos subgéneros y épocas cinematográficas (aparte del gore explícito y del guiño a las artes marciales, la banda sonora es propia de los clásicos del cine mudo que eran guiados por "el gran explicador"). Es un film imprescindible para los amantes del terror bizarro con ciertos toques de ingenuidad, y para todos aquellos que amen los rodajes ajenos a las superproductoras.

miércoles, 3 de abril de 2013

Pumpkinhead. Todo acto tiene sus consecuencias...

Lance Henriksen es uno de los rostros más carismáticos del séptimo arte. No solo demuestra su talento interpretativo, sino que además es escultor y responsable de muchos diseños que han llegado a la gran pantalla. En el caso que hoy nos ocupa abordaremos a Pumpkinhead, una de sus creaciones más conocidas. 


Tras depurar a su criatura, la expuso como candidata factible para una futura franquicia, dejando el proyecto de Dirección en manos de un portentoso Stan Winston (ganador de un Oscar y creativo en  taquillazos como Aliens y Jurassic Park). Heriksen nunca ha parado de trabajar, pero en esta ocasión iba a demostrar que la creatividad y las ganas de llevar a cabo un trabajo bien hecho podrían superar la falta de medios y presupuesto.

La muerte accidental de un niño en manos de unos jóvenes alocados desata la ira de un padre que verá como su mundo se hace trizas. El triste progenitor visitará la parte más profunda de los pantanos para entrevistarse con una escalofriante Meiga. Por medio de la sangre del interesado y de la pequeña víctima, se efectúa un contrato vinculante por el que "el gran cabezón" despertará y no podrá parar hasta que acabe con todos sus objetivos.

No se le puede frenar, nada lo puede matar...
La película vio la luz en 1988, convirtiendo a su criatura en la diva de otra exitosa saga. Como es obvio, el merchandising no se hizo de esperar, llegando a tener su propia tirada de cómics y línea de figuritas. Antaño, solo aquellas historias con verdadero merito conseguían tal reconocimiento. 

 

Un hacha para la luna de miel. Descenso a la locura

Mario Bava (uno de los defensores del subgénero Giallo) nos cuenta una historia sobre el descenso a lo más oscuro del subconsciente, bajo el punto de vista de un perturbado. El director vuelve a mostrar su buen gusto en la selección de reparto, haciendo hincapié en las piernas largas y en las miradas que podrían derretir un bloque de hielo. 


John Harrington es un psicótico y atractivo diseñador de trajes de novia que padece de insatisfacción crónica, y por si fuera poco, su mujer es una déspota acosadora que no lo deja respirar. Como resultado de sus múltiples traumas, tan particular diseñador encuentra una vía de escape en el asesinato brutal y fetichista de las modelos que trabajan en su firma, para acto seguido enterrarlas en su invernadero.

El film, narrado de forma psicodélica y con un ritmo lento, coge fuerza en el segundo y tercer acto, en donde pasa a ser una prometedora historia de fenómenos sobrenaturales. La anómala relación de Harrington con el sexo opuesto, su obsesión por travestirse y las voces dentro de su cabeza son un claro guiño a la inigualable Psicosis. 

¿Qué pensaría Freud de este tipo?
La excelente planificación y sobresaliente fotografía son los recursos que Bava sabe explotar para mantenernos obnubilados, mostrando su visión particular acerca del código de colores en el séptimo arte. La banda sonora a cargo de Sante María Rometille, aporta un perfecto sonido diegético que nos introduce en la mente del asesino.

En conclusión, Un hacha para la luna de miel es de esas películas que fascinan a coleccionistas y adeptos, pero que pueden acabar con la paciencia de aquellos que se estén iniciando.